En tant que double majeure en génie mécanique et en théâtre, Alayo Oloko passe souvent du temps à l’extrémité ouest du campus du MIT, dans le bâtiment W97, où se trouve le programme académique de théâtre du MIT.
Au cours de sa carrière d’actrice, de designer et de membre de l’équipe technique dans un théâtre dirigé par des étudiants du MIT, Oloko a supervisé le chaos de la « semaine technologique », où les décisions de conception et les répétitions se rejoignent dans une course contre la montre. Elle considère le théâtre comme un sport d’équipe : « Si vous ratez quelque chose ou si vous lâchez la balle, cela n’affecte pas seulement vous, mais toute la production et le produit final », explique-t-elle.
Tout comme les sports d’équipe, le théâtre est, par essence, une sorte de jeu, que ce soit sous les projecteurs, dans les coulisses ou en classe. « Nous rions toujours pendant les répétitions ou les réunions techniques parce que vous êtes entouré d’un groupe d’autres créatifs. Et vous échangez vos idées car vous êtes tous liés par un objectif commun », dit Oloko.
Concevoir pour le théâtre
Dans le monde du théâtre, une équipe de concepteurs, de créateurs et d’acteurs met souvent en scène le scénario d’un écrivain avec l’aide d’un metteur en scène. Traditionnellement, les responsabilités de conception au théâtre sont réparties entre différentes personnes : les décorateurs, les concepteurs sonores, les éclairagistes et les costumiers forment le noyau de l’équipe de conception. Comme dans un sport, chaque membre de l’équipe doit donner le meilleur de lui-même tout en collaborant avec l’ensemble de l’équipe.
Qu’il s’agisse d’une interprétation de « Macbeth » de Shakespeare ou d’un scénario plus contemporain, chaque concepteur de théâtre a la possibilité d’apporter quelque chose d’unique, inspiré par son expérience personnelle. « Si vous le ressentez personnellement, le public le ressentira également », déclare Sara Brown, scénographe professionnelle, professeure de théâtre au MIT et membre du Morningside Academy of Design (MAD) Conseil consultatif de la faculté.
Les concepteurs de théâtre peuvent puiser dans leurs expériences personnelles pour créer des mondes de « friction », une métaphore du travail émotionnel nécessaire pour affronter les nouvelles idées présentées dans une pièce artistique. « C’est un monde où il y a des frictions auxquelles les acteurs doivent faire face, ou un réalisateur doit gérer, ou un public doit gérer », explique Brown.
Cette intégration de l’expérience personnelle dans la conception est essentielle pour la fonction culturelle du théâtre : inviter le public à se sentir représenté ou à sympathiser avec différentes perspectives et, en outre, à refléter les subtilités de la vie réelle.
Cependant, puiser dans son expérience personnelle peut s’avérer difficile pour les jeunes créateurs. Comme pour les enfants qui se battent ou construisent des châteaux de sable, le jeu est une occasion d’expérimenter dans un environnement sûr et de développer des compétences sociales et émotionnelles, mais cela ne se fait pas sans effort.
Jouer en pratique – explorer le son
Bien que la production théâtrale professionnelle soit souvent soumise à des contraintes strictes de délais et de budgets, le cadre de la salle de classe permet aux étudiants de mettre de côté les préoccupations du monde réel et d’adopter pleinement le processus imaginatif et expressif du jeu.
« Nous les appelons des pièces de théâtre pour une raison. Ce n’est pas seulement un jeu de mots », explique Christian Frederickson, concepteur sonore et instructeur technique en musique et en théâtre au MIT. « Le processus d’apprentissage doit être amusant », ajoute-t-il.
En tant que concepteur sonore, Frederickson crée des signaux audio et de la musique pour accompagner une performance live, en prenant des décisions sur l’endroit où placer ces signaux dans le temps et quand il est préférable de laisser parler le silence.
« La conception sonore pour le théâtre ne consiste pas à créer ou à tenter de reproduire la réalité. Il s’agit de chercher des moyens d’aider la narration – du moins pour moi – de la manière la plus directe et la plus élégante possible, et dans notre monde contemporain, il y a beaucoup de bruit. Si nous essayons de reproduire cela au théâtre, nous nous retrouvons dans un désastre. Il s’agit donc d’affiner et de rechercher la manière la plus directe de raconter une histoire ou d’aider le public à vivre une expérience émotionnelle », dit-il.
La première leçon du cours de Frederickson consiste à connaître son style personnel. Dans ses cours 21T.223 (Conception sonore) et 21T.232 (Production de podcasts), Frederickson initie les étudiants aux domaines à travers un « jeu » qu’il appelle Everything is an Instrument. « La raison pour laquelle j’appelle cela un « jeu », c’est que je pense que c’est amusant, et je pense que mes élèves pensent que c’est amusant parce qu’il n’y a pas de règles particulières », dit-il.
Dans le jeu, Frederickson et ses élèves prennent un court enregistrement d’un « objet banal du quotidien », comme une bouteille d’eau en métal ou une feuille de papier. Après avoir démontré les capacités d’Adobe Audition (une station de travail audio numérique), il laisse aux étudiants la liberté de manipuler l’échantillon audio et de commencer à trouver leurs propres styles.
« S’il y a 20 élèves dans la classe, nous obtenons 20 résultats complètement différents à partir du même échantillon », explique Frederickson. « Je peux dire que cet étudiant crée des pièces texturées vraiment clairsemées, intéressantes, et qu’ensuite cette personne essaie toujours de transformer son échantillon en quelque chose de théâtre musical. »
Musicien de formation, Frederickson considère que ses créations sonores ont une qualité musicale, même s’il compose peut-être avec le bruit d’hélicoptères et d’explosions au lieu d’instruments. En jouant au jeu, les élèves exploitent leurs intérêts et leur expérience personnels pour éclairer leurs conceptions sonores et influencer le jeu.
Répondre et entrer en résonance avec le design
« [La conception théâtrale] ne vous demande pas seulement de vous adapter à une tâche. Il s’agit en fait de vous demander de vous consacrer à cette tâche », explique Sara Brown. Selon Brown, cela distingue la conception du théâtre des autres philosophies de conception. Pour débloquer l’expérience personnelle, Brown demande aux concepteurs de considérer « avant tout, comment interagissez-vous avec le matériau physiquement, personnellement ?
Comme dans le jeu Everything is an Instrument de Frederickson, Brown initie ses cours à la conception théâtrale en jouant avec des matériaux banals. Au cours de l’un des premiers exercices en classe de la classe 21T.220 (Scénographie), les élèves en petites équipes fouillent dans des bacs remplis de papier brouillon, de tissu et de carton, poussés par un mot évocateur pour guider leur vision et leurs mains.
Les scénographes travaillent à partir de scripts et de références pour élaborer un plan pour l’ensemble du décor, du type de revêtement de sol à l’ajout de murs et de plates-formes. Une méthode traditionnelle pour communiquer une scénographie consiste à créer un modèle physique. En travaillant avec une maquette de l’espace du théâtre boîte noire de W97, les élèves placent leurs déchets dans la maquette ; en évaluant leurs conceptions, celles-ci commencent à prendre forme. Brown précise : « nous commençons à voir que lorsque vous prenez des décisions de conception, vous prenez des décisions de conception en réponse à une réalité. »
Le choix sans prétention des matériaux et l’utilisation d’une invite incitent les étudiants en scénographie, comme les seniors en pleine croissance Verose Agbing et Alayo Oloko, à faire des choix de conception sans hésitation, contrecarrant ainsi la redoutable « anxiété de la page blanche » causée par une réflexion excessive.
Pour Oloko, ce « prototypage rapide et sale » est essentiel pour voir si quelque chose fonctionne. « Si c’est le cas, c’est génial. Si ce n’est pas le cas, d’accord, cela n’a pas pris trop de temps », dit-elle.
Mais la mention de la « réalité » par Brown ne doit pas être confondue avec la « vraie vie ». En fait, Brown encourage les étudiants à se débarrasser de toute notion de contraintes de la vie réelle. Également impliqué dans le théâtre étudiant en dehors de la salle de classe, Oloko suggère : « imaginez ce que vous pourriez faire si vous pouviez devenir fou, puis déterminez quelles parties de cela fonctionnent à l’intérieur… Dans votre conception initiale, si vous vous limitez par le budget, vous pourriez vous contraindre trop sans même vous en rendre compte.
« Mon slogan en classe est devenu » ce n’est pas l’OSHA [Occupational Safety and Health Administration] certifié » parce que… au début, j’étais définitivement coincé sur cette idée de pouvoir rester fidèle à la vraie vie », explique Agbing. Inspiré par les décors de théâtre modernes et expérimentaux, Agbing raconte avoir progressivement abandonné ces idées préconçues, trouvant dans le logiciel une plate-forme encore plus enrichissante et flexible pour les projets de conception de théâtre.
Les étudiants en scénographie apprennent Vectorworks, un programme de modélisation d’architecture, en conjonction avec Twinmotion, un programme de visualisation 3D, dans une approche moderne de la conception de théâtre. « Grâce au logiciel, j’ai pu créer ce magnifique mélange d’éclairages contrastés et pouvoir manipuler cette intensité était vraiment important », observe Agbing.
Comment le jeu nous connecte
Bien que le MIT Theatre adopte cette approche ludique de la conception, cela ne signifie pas que ses objectifs sont uniquement amusants et ludiques. «Je ne pense pas que les enjeux soient moindres au théâtre», déclare Frederickson. En tant qu’éducateur, il considère le théâtre au MIT comme un cadre sûr permettant aux étudiants « d’explorer l’expression individuelle » et de « développer des compétences de conception dont vous ne saviez pas avoir besoin ou que vous alliez utiliser ».
Comme le théâtre ne vise pas à reproduire la réalité, il offre aux concepteurs et au public l’occasion de « faire semblant » et d’envisager des idées difficiles à distance. L’immersion dans un monde romancé est l’occasion pour le public de se sentir représenté, d’avoir de nouvelles idées et de cultiver l’empathie. Pour les concepteurs de théâtre, le processus de conception d’un spectacle permet d’explorer des expériences personnelles multiformes qui peuvent être difficiles ou complexes.
Faisant écho au sentiment de Frederickson, l’instructeur technique et concepteur vidéo Josh Higgason — qui propose des cours de conception d’éclairage (21T.221) et de conception et projection interactives pour les performances en direct (21T.320) — constate qu’avec ses étudiants, « il y a beaucoup d’apprentissage de comment avoir de l’empathie, comment établir une connexion, comment favoriser la connexion et comment parler de choses difficiles dès le début.
À la fin du mandat, dotés des outils nécessaires pour exprimer de manière réfléchie « de grandes idées et de grandes émotions », les concepteurs de théâtre et le public deviennent membres d’une communauté plus large, plus capables de gérer les frictions et de surmonter les différences. Higgason réfléchit : « L’un des [objectifs du théâtre] est d’essayer de raconter des histoires de personnes et d’individus. Mais il remplace également ces histoires plus grandes et universelles ou ces expériences plus grandes et universelles.
